NO-ART PAINTINGS
Galerie René Block | Berlin | Eröffnung: 10. August 1973
► Einladungskarte +++ Rezension Kahlke +++ Rezension Ohff
EINLADUNGSKARTE
Protest als künstlerisches Engagement, gegen das "HÄSSLICHE AMERIKA"
Galerie Block zeigt "NO!art-paintings" von Boris Lurie
Rezension von Wolfgang Kahlke
Mit ihrer Ausstellung von Arbeiten Boris Luries zeigt die Galerie Block einen interessanten Rückblick auf eine bei uns so gut wie gar nicht bekannte künstlerische Aktivität im Amerika der späten 50er und frühen 60er Jahre. Lurie war zusammen mit dem Objektemacher Goodman der Spiritus rector einer engagierten Künstlergruppe, die sich "NO!artists" nannten (zu verstehen als Künstler der Verneinung), sich gegen eine Ästhetisierung der Kunst und des Lebens wandten, mit Bildern und Aktionen einen Zweifrontenkrieg führten gegen den abstrakten Expressionismus und gegen die rücksichtslose Kommerzialisierung des Lebens, als deren Synonym sie immer wieder das Pin-up-Foto in ihren Bildern zitierten. Sie brachten das "hässliche Amerika" ins Bild - die Erinnerung an den gerade erst vergangenen Weltkrieg, die Aussicht von einem möglichen nuklearen Krieg - in ein Bild, das in seiner offenen, rohen Mal- und Montagetechnik sich gegen das Ästhetische überhaupt wendet.
Lurie und seine Freunde, von denen er uns aus späterer Zeit und in anderen Zusammenhängen Namen wie Jean-Jacques Lebel, Erro, Allen Kaprow und Allen D'Arcangelo bekannt geworden sind, begannen mit ihrem Protest gegen den abstrakten Expressionismus in der Mitte der 50er Jahre, also etwa gleichzeitig mit den Künstlern wie Robert Rauschenberg und Jasper Johns. Die "NO!Artists" blieben weitgehend unbekannt, anders als die neodadaistischen Antikünstler, die als Popkünstler dann weltweite Resonanz fanden, blieb den "NO!Artists" offensichtlich die Ironie versagt, die einem engagierten Künstler, will er nicht zum Moralapostel verkommen, eine kritische und zugleich künstlerische Position zu halten ermöglicht. Luries frühe Bilder kreisen immer wieder um das Thema des Managements. Sie protestieren gegen das Geschäft mit der Frau im Pin-up-Foto, gegen die Ausbeutung der Kunst durch das Kunstgeschäft (in der Popart) und gegen die geschäftige Ausbeutung der Wirklichkeit durch eine Kunst, die alle Lebensäußerung in Happenings verwandelt und dadurch entschärft, vergessen macht.
Immer wieder taucht das Wort "NO" in seinen Bildern auf, im Kontext mit Pin-ups, mit Fotos von Nazi-Gräueln und Kriegsnot oder allein als Schriftzeichen im Bild, in der Grafik, geschnitten in Wellpappe. Ihren Widerstand bezogen diese Bilder vor allem aus dem Erschrecken darüber, wie schnell die Konsumgesellschaft nach dem Krieg das menschliche Leid vergaß (Lurie ist 1924 in Leningrad geboren und lebte bis 1946 in Europa) und wie sie schon bald wieder mit den Atombomben experimentierte. Man sieht der spontanen Machart der Bilder Luries das Erschrecken über das Vorstellen eines neuen Chaos, über die Deformation des Menschen durch die Manager der Macht und des Geschäfts noch an.
Es gab Mitte der 60er Jahre entfernt Vergleichbares in frühen Arbeiten einiger Maler der Groß-Görschen-Gruppe (Pattrick, Diehl). Dass es diese Möglichkeit auch in Amerika gegeben hat, und immer wieder geben kann, das nimmt man mit Interesse zur Kenntnis, auch wenn diese Bilder heute leicht plakativ wirken.
In der Edition Block übrigens, gleich neben der Galerie, sieht man eine Mappe mit Grafiken einiger bekannter Pop-Künstler, denen Lurie mit Wort und Bild Ästhetizismus vorgeworfen hat. Die Mappe wurde von der Edition Multiples Inc. New York produziert. Sie enthält neue Blätter von Arakawa, Fahlström, Johns, Oldenburg, Rauschenberg, Rosenquist und Ruscha. Aus derselben Edition zeigt Block eine sehr schöne Mappe mit 10 Lithographien, auf denen der Land-Artist Dennis Oppenheim zehn Aktionen in Fotos und Plänen aufgezeichnet hat - Aktionen, die sich durch ihre Größe und Landschaftsbezogenheit gegen eine Vermittlung durch Kunstgalerien sträuben.
Mit diesen Grafiken wären wir dann der Protesthaltung eines Boris Lurie wieder etwas näher, wenn auch auf einer anderen Ebene. Die Zeichen, die Oppenheim in den Schnee oder in ein Feld zeichnet, sind eindeutig ästhetisch.
AUS DEM NEINZEITALTER
NO!art-Bilder von Boris Lurie in der Galerie René Block
Rezension von Heinz Ohff
Rene Block, sonst meist seiner Zeit um Haupteslänge voraus, lädt diesmal zu einem Nachholkurs. „NO!art", zu deutsch: Nein-Kunst, dürfte den wenigsten ein Begriff sein. Boris Lurie ist einer ihrer Protagonisten. Block stellt seine zweite europäische Ausstellung vor (die erste war 1962 bei Arturo Schwarz in Mailand).
„NO!art" entstand - dem grünen Flugblatt zufolge, das zu dieser Ausstellung vorgelegt wird - als Rebellion gegen die „Verschleierungstendenzen" der amerikanischen Abstrakten Expressionisten. Sie entstand also aus den gleichen Wurzeln wie die Pop-Art und auch zur gleichen Zeit. Freilich: Während Pop „das amerikanische industrielle Environment feierte“, wollten die NO-Artisten es kritisieren - und die Pop-Art dazu. Prominente Galeristen und Museumsleute haben dann - sagen wir vorsichtig, weil wir uns wiederum auf besagtes Pamphlet stützten: angeblich - dafür gesorgt, dass kein NO-Artist jemals hochkam.
Es ist hier nicht der Raum, diese - in sich gewiss berechtigte - Kritik kritisch zu durchleuchten. Pop ist keineswegs so konformistisch, wie es manchem scheinen möchte; Leute wie Warhol, Rauschenberg oder Rosenquist haben zur Veränderung eines visuellen und damit letztlich auch eines politischen Bewusstseins mehr getan als viele, die sich progressiver dünken. „NO" - die nicht festumrissene Gruppe arbeitete seit 1959, Heimstatt war die Gertrude-Stein-Galerie - scheint eine Art Sekte zwischen Pop und Happening, mit einem Schuss Kritischem Realismus, der freilich nicht, wie bei den Nach-Pop-Malern in Berlin, zum Dada-Realismus tendierte, sondern eher zur art brut, zu einer direkten Auseinandersetzung mit den zeithistorischen Gegebenheiten und dem Material. Außer Lurie waren an bekannteren Namen an Ausstellungen (die wichtigste 1962, hieß „Doom Show" und wurde mit großem Erfolg als „Atomkrise“ dann auch in Rom gezeigt). Bob Logan, der französische Happeningist Jean-Jacques Lebel, Erro, Allan Kaprow, Sam Goodman, Allan D'Arcangelo beteiligt.
Lurie, der für ein paar Wochen nach Berlin gekommen ist, stammt aus Leningrad, wo er J924 geboren wurde. Im Krieg verschlug es ihn nach Westen, seit 1946 lebt er - als Maler Autodidakt - in New York. Seine Leinwände, zum Teil sehr groß, die größte fünf Meter Iang, bestehen aus grellen Absagen an die Zivilisation, speziell die amerikanische (den „Alptraum mit Klimaanlage“, um Henry Miller zu zitieren). Pin-up-Girls als Zeichen kommerzialisierter Erotik werden mit Szenen aus dem Hitlerkrieg, Korea, Bürgerrechtskämpfen, dem Anfang von Vietnam, kurzum: der öffentlichen Brutalität collagenhaft kombiniert. Flammende „NO“-Zeichen stehen dazwischen, Zerreißungen und Übermalungen durchbrechen das wüste Durcheinander, dazu spärliche „Love"-Hoffnungen, wohl aus frühen Hippie-Tagen - eine ekstatische Kunstform, chaotisch im Ausdruck, idealistisch in der Gesinnung.
„Sind ästhetische Eindrücke erwünscht oder unerwünscht?", fragte ich den Maler.
„Sie sind erwünscht", antwortete er. Das alte Problem engagierter Malerei. Wie weit darf und muss man gehen mit dem Appell an das Gewissen? Bis an die Grenzen dessen, was wir „Kunst" nennen? Darüber hinaus? „Anti-Kunst“ ist das also nicht - im Sinne von Schwitters oder Duchamp -, eher schon Anti-Anti-Kunst. An einer Seitenwand findet sich, im Seidensiebdruck reproduziert, ein dokumentarisches Foto, die auf einem Lastwagen übereinandergestapelten KZ-Leichen. Als Beschriftung liest man darunter: „Assemblage von Adolf Hitler, 1945“. Der Künstler hat, wohl um Missverständnisse zu vermeiden, als Erklärung einige Zeilen verfasst und an die gleiche Wand gehängt. Ihnen zufolge will er mit dieser Umsetzung Kritik am Super-Ästhetizismus üben, der selbst die grausamsten Geschehnisse in Kunst umzumodeln versteht. Und, so betont er, er betrachte das auch als Selbstkritik.
Eine ehrliche Überzeugungskunst also, bewusst kunstlos dargeboten: Die Leinwände hängen vielfach ohne Keilrahmen in der Galerie, und es werden nur solche der „NO"-Zeit, des Neinzeitalters gezeigt. Lurie verzichtet -wohl ebenfalls bewusst - auf spätere Arbeiten. Der Impuls von damals soll vermittelt werden, eines Anti-Pop-Amerika, in dem sich - von heute aus gesehen - vieles ankündigte, eine gehörige Portion jenes Unheils zum mindesten, das mittlerweile über Volk und Staat der USA hereingebrochen ist.
Der Impuls als solcher mag ehrlich, berechtigt, verdienstvoll gewesen sein, in einem Buch („From Pinups to Excrement No-artists Rebel“) soll seine Geschichte demnächst in Buchform herauskommen; Lurie wird selbst als einer der beiden Herausgeber fungieren. Ob er genügte, ob es ein weittragender, ein schöpferischer Impuls war, steht jedoch dahin. Qualitativ ist noch der Durchschnitt der Pop-Art dem besten des hier Gezeigten weit überlegen, und leidenschaftliche Impulse haben es an sich, dass sie besonders rasch historisch werden.
Der agile Salvador Dali hat einst bei einem Empfang im Museum of Modern Art erklärt, Dada sei eine aristokratische Revolution gewesen. Das ist natürlich blanker Unsinn (und auch wohl als solcher gemeint), aber demgegenüber empfand sich die NO!art, wörtlich zitiert, als eine „Rebellion der Unterprivilegierten-Lumpenproletariat-Künstler“. Eine Einschätzung, bei der eine gehörige Portion Selbstmitleid im Spiel sein dürfte. Denn engagierte Kunst muss und will in jenem Augenblick zur Wirkung gelangen, in dem sie entsteht. Jetzt, wo für sie schon die Zukunft eingesetzt hat, ist es wohl nötig, auf verschwörerische Cliquen zu verweisen, die ihre Wirkung verhindert haben. Besser wäre es, man könnte auf etwas pochen, das allein Gegenwart und Zukunft hat in der Kunst: auf Können. Der moralische Aspekt dieser Ausstellung bleibt trotzdem eindrucksvoll genug, auch wenn es sich, um George Grosz abzuwandeln, der sein Leben als „Ein kleines Ja, ein großes Nein" beschrieb, um ein großes Nein und auch nicht allzu große Kunst handeln sollte.
