NO!art und die ÄSTHETIK des UNTERGANGS
[NO!art and the AESTHETICS of DOOM]
Kuratorin Estera Milman
Mary and Leigh Block Museum of Art Northwestern University
1967 South Campus Drive | Evanston, IL
9. November 2001 bis 13. Januar 2002
►Information +++ Ansichten +++ Flyer +++ Danksagungen
Katalog +++ Symposium +++ Video +++ Gästebuch
Rezension von Fred Camper
VIDEO REPORT | 14:51 min | Das Video ist ein Ausschnitt aus ►BORIS LURIE: NO!art MAN, einem Film von ►Amikam Goldman. Darin dokumentiert der Filmemacher die Konservierung und Versandvorbereitung eines bedeutenden Bestandes von NO!art-Arbeiten durch ►Dietmar Kirves, die in der Ausstellung "NO!art" and the Aesthetics of Doom" 2001 gezeigt wurden. Der Film dokumentiert auch die Installation der Ausstellung im Mary and Leigh Block Museum of Art, Northwestern University, und liefert eine unschätzbare historische Aufzeichnung eines Querschnitts von Reaktionen, wie sie von verschiedenen Mitgliedern des Ausstellungspublikums geäußert wurden. Die von Estera Milman kuratierte und zum Teil vom National Endowment for the Arts finanzierte Ausstellung "NO!art" and the Aesthetics of Doom gilt bis heute als die umfassendste nordamerikanische Retrospektive des Kollektivs. | Quelle: http://vimeo.com/24163613
INFORMATION AM EINGANG:
THE CONTENT OF THIS EXHIBTION MAY NOT BE SUITABLE FOR ALL VIEWERS
Ausstellung mit Arbeiten von Rocco Armento, Isser Aronovici, Herb Brown, Al D'Arcangelo, Stanley Fisher, Dorothy Gillespie, Sam Goodman, Allan Kaprow, Yayoi Kusama, Jean-Jacques Lebel, Boris Lurie, Lil Picard und Wolf Vostell
Diese Ausstellung wurde gefördert durch das National Endowment for the Arts, a federal agency, the Illinois Arts Council, a state agency, and the Friends of Mary and Leigh Block Museum of Art.
Direktor: David Mickenberg
Kurator of the Exhibition: Estera Milman
AUSSTELLUNGSANSICHTEN
KLICK AUF MINIATUR ZUR VERGRÖSSERUNG
David Mickenberg, Direktor Mary and Leigh Block Museum of Art
DANKSAGUNGENDie Möglichkeit, die Ausstellung NO!art and the Aesthetics of Doom zu präsentieren, wurde dem Museum erstmals von ►Rainer Rumold vom Department of German Literature and Critical Thought an der Northwestern University und Herausgeber der Reihe Avantgarde and Modernism von Northwestern University Press vorgeschlagen. Vor einiger Zeit half Professor Rumold in Zusammenarbeit mit Professor Otto Karl Werckmeister und Kurator Reinhold Heller, eine Konferenz und Ausstellung zum deutschen Expressionismus im Block zu ermöglichen. In den letzten Jahren haben Rumold und Estera Milman, Direktorin von Alternative Traditions in the Contemporary Arts, The University of Iowa, bei einer Reihe von Publikationen, Konferenzen und Ausstellungsprojekten zusammengearbeitet. Im Jahr 1992 kuratierte Milman eine wichtige Ausstellung von Fluxus-Material aus der Sammlung Alternative Traditions in the Contemporary Arts, organisiert von Franklin Furnace in Zusammenarbeit mit dem Anthology Film Archive, wanderte Fluxus: A Conceptual Country in das Block Museum, wo sie einen wichtigen Teil einer Reihe von Ausstellungen, Symposien und anderen öffentlichen Veranstaltungen im Großraum Chicago darstellte. Die Fluxus-Ausstellung und die begleitenden Programme machten das Museum mit einer Vielzahl von Mitarbeitern bekannt, die sich mit Bewegungen, Ideen und Werken beschäftigten, die bisher weder eine breite wissenschaftliche Aufmerksamkeit noch eine signifikante Präsentation in der breiten Öffentlichkeit erfahren hatten. Einmal mehr ermöglicht NO!art and the Aesthetics of Doom dem Museum, in einen Diskurs mit der Geschichte zu treten. Mit Estera Milman als Kuratorin der NO!art-Ausstellung und Herausgeberin von NO!art: Artworld Politics and the Culture o f Dissent und Rainer Rumold, der die Publikation dieses Sammelbandes leitet, der in Verbindung mit einem Symposium über die NO!art-Bewegung im Block herausgegeben wird, wirft das Museum erneut einen Blick auf eine Periode in der Kunst, die zu lange übersehen wurde und einen größeren Diskurs und ein besseres Verständnis verdient. Als Museum fördern wir die Zusammenarbeit mit führenden Köpfen in verschiedenen Bereichen der Kunst und der Geisteswissenschaften. Es ist uns eine Freude, wieder einmal mit Milman und Rumold zusammenzuarbeiten.
Wie bei allen Ausstellungen im Block Museum repräsentiert die endgültige Präsentation den Beitrag zahlreicher Personen mit Fachwissen in einer Vielzahl von Bereichen, die für die Interpretation, das Design, die Kommunikation und die Erhaltung der Ausstellung für das unterschiedliche Museumspublikum von entscheidender Bedeutung sind. Dabney Hailey, die kuratorische Assistentin des Museums, war maßgeblich am Aufbau der Kommunikation und Zusammenarbeit beteiligt, die für ein solch ehrgeiziges Projekt notwendig ist. Deb Wood, Assistentin der Kuratorin, Dan Silverstein, Präparator, Carole Towns, Geschäftsverwalterin, und Brooke Dierkhising, Assistentin des Direktors, waren alle von wesentlicher Bedeutung für die Etablierung von NO!art als feste Größe am Horizont. Bei der Organisation dieses Projekts haben wir Unterstützung vom National Endowment for the Arts, einer Bundesbehörde, dem Illinois Arts Council, einer staatlichen Behörde, dem Institute of Museum and Library Services, einer Bundesbehörde, und den Friends of the Mary and Leigh Block Museum of Art erhalten.
FLYER:
Flyer, 8 Seiten, 20,3 x 12,7 cm
KATALOG:
"NO!art"
and the Aesthetics of Doom
Catalog, 30 pages, 26.5 x 22.8 cm
Copyright © May 2001
ISBN 0-941680-20-7
Mary and Leigh Block Museum of Art,
Nortwestern University.
Essay copyright © 2001 retained
by the author.
Image coipyrights © 2001 reatained
by the artists and the NO!art Archive.
Funded, in part,
by the National Endowment for the Arts.
Design: Ab Gratama, Iowa City, IA
SYMPOSIUM:
Opening Remarks
Estera Milman, Curator of the Exhibition and Director of Alternative Traditions in the Contemporary Arts, The University of IowaWriting of the Disaster
Dore Ashton, Professor, Department of Art History, The Cooper UnionBoris Lurie: Self-Representation in the Wake of the Holocaust
Susan Chevlowe, Associate Curator, The Jewish Museum, New YorkNO! and the Cultural Politics of the Anti-Canon Estera Milman
Doom: Art Culture, Cognitive Space, and the Achievement of Discourse
Stephen Foster, Professor Emeritus, School of Art and Art History,
The University of IowaAdolf Eichmann and Artistic Debates in Germany:
The Broader Context for NOlart Paul Jaskot,
Associate Professor, Department of Art and Art History, DePaul UniversityThe Reception of the Art of Boris Lurie and NO!art in the Context
of the Holocaust Debate in Contemporary Germany
Curt Germundson, Assistant Professor, Art Department,
Minnesota State UniversityCONVERSATION Pick / Michigan Room, Norris University Center
Women Behind the Barricades: Art, Protest and Gender in the Post-McCarthy Era Harriet Wood, NOIart-Künstlerin, Dore Ashton, Kunstkritikerin und -historikerin, und Gertrude Stein, deren Galerie ein Hauptschauplatz für NO!art-Ausstellungen war, werden über ihre Erfahrungen als Teil der NO!art-Künstlerinnenbewegung und als Frauen in der Kunstwelt dieser Zeit sprechen.
Harriet Wood (Suzan Long), Independent Artist
Gertrude Stein, Gallery Gertrude Stein, New York
Dore Ashton, Professor, Department of Art History, The Cooper Union
EINTRAGUNGEN IM GÄSTEBUCH
9. November 2001 bis 13. Januar 2002
Transcription von Mathilda Wolf
und ►Dietmar Kirves, Berlin.
Ja zu Nein!
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Wahnsinn! Schockierend und aufschlussreich
- danke!
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NEIN!
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Boffo! Schöne Krüge!
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Nein! ist nur, dass ich schon schönere,
aufschlussreichere Graffiti auf der South Side
gesehen habe.
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Was für eine Ansammlung von Mist!
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Beunruhigend - Wir Hobbz
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Alles, was ich mir erhofft habe.
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Interessanter historischer Moment - aber wie immer im Nachhinein ist es unter JETZT, wie wir dies als "radikal" bezeichnen können. Die formale Wahl + Verwendung des weiblichen Aktes war nicht unbedacht und meist wird hier der Akt in reaktionärer Weise verwendet.
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Warum gibt es nicht ein Gremium, das sich ausdrücklich mit der Geschlechterfrage befasst? Und was ist die politische Aussage hier? Anarchistisch? Klarheit der Begriffe + Auswahlmöglichkeiten wären gut.
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Dennoch war die Völkermord-Situation(?) besonders gut gemacht. Das erste Panel war auch klar, präzise + informativ. Danke für die Sendung.
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Super!
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Es ist erfrischend, eine Ausstellung zu sehen, die sich selbst als "Shit" bezeichnet. So oft gehe ich durch Galerien ohne solche hilfreichen Titel. Durch heilig genießbar.
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Warum nicht Panzer sagen?
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BOO! A ELL IS BOO! Daddiso
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Ausgezeichnet - nie von der Gruppe No gehört -
... in den "60 "ern oder später -
sollte es -
gute Geschichte
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No! ist spannend, ein großer Tritt in den Kopf. Es ist wichtig, oh! ja. A.W.
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Sehr interessante Darstellung von Themen, die wir
heute erleben: Krieg, Diskriminierung,
Selbstgefälligkeit. Traurigerweise würden viele Leute das nicht einmal sehen. S.P. Danke.
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Danke - Infory & Nostalgie für die wirksame "wilde" Erfahrung (mythisch & fiktiv) evoziert.
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Saya dari Jakarta .....baqua iho museum nya!
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A. Benutzt beide Seiten des Papiers, Leute!
WAS IST, WENN WIR DAS NICHT WOLLEN?
B. Das Verhängnis von No Art war, dass es genau in der Arena funktionierte, die es kritisierte - die Kunstwelt ist kein Ort, an dem man die amerikanische Gesellschaft verurteilen und irgendwelche Auswirkungen erwarten kann. Sie ist ein kleiner Kasten, in den die Leute hineinschauen, wenn ihnen danach ist. Es wäre revolutionärer gewesen, die Kunst aus der "Kunstwelt" herauszunehmen...
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Schreckliche Informationen über Nazis, Hiroshima, etc.
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Schrecklich + vulgär ... Danke
Joseph Rivera
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Du hättest Harold Rosenberg genauer zuhören sollen.
Elaine ... ...
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clt sieht gut aus
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eine schöne Show, die den kreativen Geist einer bestimmten Zeit einfängt. Ich hoffe, dass dies in die Kurse zur Untersuchung der 1960er Jahre eingebunden wurde!
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Für die Film-/Videovorführung in der Südgalerie sollten Sie das von außen einfallende Licht abschirmen, z. B. mit schwarzem Papier oder so. Das würde den Film und die Bilder besser sichtbar machen.
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Ich überprüfe nur den Gelstift
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Kein schlechter erster Besuch in Ihrem Museum. Ich werde für neue Ausstellungen wiederkommen. Warum zeigen Sie gerade diese bestimmten Stile oder Bewegungen? Entspricht das der Philosophie der Universität?
Bensson
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Oh, hallo. Sehr störend
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Gut präsentiert.
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Danke!
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Dann ist auch dies KUNST! Ich halte das nicht für sehr kreativ oder künstlerisch.
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Puh! Ich kann schreiben
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Tolle Show - ein wundervoller (aber vergessener) Moment anarchischen Elans der 60er Jahre!
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Als Kunststudentin ist es erfrischend und auch nicht überraschend, dass ich mich nie mit dieser Ära oder Bewegung der Kunstgeschichte beschäftigt habe. Es ist wunderbar zu erfahren, dass nicht jeder Warhol und seine Bande verehrte und dass einige Künstler tatsächlich relevante und bedeutungsvolle Werke schufen. Danke dafür.
Auch eine Alternative zu "Rockwell"-Shows, die unseren "Patriotismus" in diesen seltsamen Zeiten fördern....
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Hässlich, aber nur insofern interessant, als es aus den frühen 60er Jahren stammt und Basguiat und spätere gute Arbeiten vorwegnimmt. Keine Entschuldigung dafür!
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Ich liebe die kleinen Skulpturen, insbesondere das kleine Paar von Lynn Chadwick. Es hat etwas Launisches an sich. Wenn man es ansieht, bekommt man ein Gefühl von Spaß und Verspieltheit. Bitte bringen Sie mehr solcher Skulpturen. Ich mochte "No Art" nicht besonders... Es hat für mich keinen Sinn ergeben. Ich würde gerne Kunst sehen, die inspiriert und unterhält, statt zu erschrecken. 11-12-01 PI
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12/11/01
Warum haben Sie die tollen Aussichten gestrichen?
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DOOM - VOOM - VOOM
großartige Show Zi 11.12.01
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Kunst muss Kultur auf eine notwendige, hippe und coole Art fördern.
Zu viel Kritik macht scheinheilig.
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DIE SENDUNG ERINNERT MICH DARAN, WIE ICH
DIE SEITEN UMBLÄTTERTE UND ABWICHSTE.
Tolle InfoRIES! ICH HABE DIE SENDUNG GELIEBT.
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Un` ichi Wow
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Oh Mama Liberté!
Ich habe es geliebt. Gute Show! -AJC
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Großartig
Er An E auch etwas!
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BK-Streit
No Art ist wahrscheinlich das meiste Gefühl, das man haben kann in
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Die No-Art-Show war eine der interessantesten Ausstellungen, die ich je gesehen habe! DANKE, DASS SIE SIE GEMACHT HABEN. D. M. PACKER
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Die hier präsentierte Werkgruppe - der Stoff NO! und die schönen japanischen Geister und Aquarelle - wunderbar! Kunst ist Verschwendung und sehr persönlich. Ich danke Ihnen.
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FRISS SCHEISSE UND STIRB
ODER?
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NEIN! Kunst ist die beste Kunst.
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NEIN! Kunst ist keine Kunst.
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Doch, ist sie!
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Interessant - Aber der Grund ist unter -
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EIN HOCH AUF DIE BLOCK GALLERY. WENN DIESE AUSSTELLUNG IN DER INNENSTADT ZU SEHEN WÄRE, WÄRE SIE BRECHEND VOLL (WIE ROBERT HEINEKEN IM MCA) - GROSSARTIG!
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Tief, schmerzhaft
Schwer zu ertragen
Eine großartige Ausstellung!
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NEIN! Bald wieder in Mode
WAR on fill in the blanks
zu einer Gesellschaft in deiner Nähe.
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Du verarschst mich doch, oder?
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DAS EXPONAT TUT DAS, WAS ES VERMITTELN SOLL. EKEL ZU EINEM FÜR DIE
PERPETRATOREN.!!!!
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Die Seife im Badezimmer riecht furchtbar.
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Sehr interessant, es regt zum Nachdenken an!
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Danke - für das Wiedereinfügen der
herausgeschnittenen Seite in die Geschichte.
NEIN!
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NEIN! DANKE
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Ich finde den Schlamm und ... Pferd war sehr cool
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Danke für die Wiederbelebung des Moments der 60er Jahre - wer hätte das gedacht?
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Eine wunderbare Ausstellung - die NO!art-Ausstellung des Block MUSEUMs ist ein großartiges Argument für Chicago als eine der besten Kunststädte. Weiter so, Block Museum! Schade ist, dass jeder NU-Student diese Ausstellung gesehen hat.
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Beeindruckt von der Hiratsuka-Ausstellung
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JUNGE, SO EINE VERNISSAGE GIBT ES HEUTE NICHT MEHR!
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HIRATSUKAS WERKE WAREN BEEINDRUCKEND!
ICH HOFFE, DASS ICH NICHT NOCH EINMAL AUF NO!ART STOSSE.
DER HOLOCAUST IST EIN
ERINNERUNGSWÜRDIGES EREIGNIS
ERINNERN
ALS EHRERBIETUNG FÜR DIE OPFER, NICHT ALS
ETWAS, DAS MAN NEBEN
IRGENDETWAS
GENANNT DIE "SHIT SHOW"
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Vielen Dank, dass Sie sich diese Show antun wollen. Bitte bleiben Sie weiterhin so bizarr.
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Nov. 3, 2001
16:35 Uhr
TRAON!
Orchid Blossom First Flour Bunge,
Cash Box People Making Sound.
Räder an der Treppe befestigen,
Nordflügel geschlossen. Südflügel gefunden.
Zeitvertreib blinkt geschwärzter Raum,
Kontroverse zeigt sich bald,
Achter November, Licht des Mondes,
Tod und Hitze und triefende Poren,
Unzählige dreckige Huren,
Flash Point Graustufen
Killerwal
Neon-Highlight.
Wunderschöner Anblick.
Orchid Withers, Dim The Night,
Vergiss nicht die Not des Volkes.
Action, Showtime, Kein Beifall
Feed The Fire, Artist's Cause
G. Steven Franchi JR.
Rezension von FRED CAMPER:
NO!art und die Ästhetic des Unterganges
Publiziert in: CHICAGO READER, January 4, 2002
Mit Erstaunen habe ich festgestellt, dass das Herzstück dieser Ausstellung ein halbes Dutzend Werke sind, die im wahrsten Sinne des Wortes "Holocaust pom" sind - mein Lieblingsbegriff für Kunst, die es verdient hätte, in den Müll zu wandern. Aber diese erschütternd originellen Werke sind Teil dessen, was diese Ausstellung zu einer der besten des Jahres 2001 macht.
NO!art war eine betont konfrontative New Yorker Bewegung, die sich um 1959 formierte. Da die Arbeiten dieser Künstler zu einer Zeit politisch waren, als hohe Kunst dies nicht sein sollte, und da ein Teil der Absicht der Gruppe darin bestand, die marktorientierte Kunstwelt anzugreifen, sollte die Ablehnung durch diese Welt keine große Überraschung sein. Aber ihr Ausschluss aus der späteren Geschichte - die drei Gründer waren in der Übersicht des Whitney Museum of American Art über die Beat-Bewegung vor einigen Jahren nirgends zu finden - ist empörend, vor allem wenn man bedenkt, wie vorausschauend viele der Arbeiten heute erscheinen. Die Kuratorin Estera Milman hoffte, dieses Versäumnis zu korrigieren, indem sie diese Wanderausstellung für das Northwestern's Block Museum organisierte, das die Ausstellung initiierte.
NO!art war roh, aggressiv, sogar "hässlich"; im Gegensatz dazu waren Rauschenberg und Lichtenstein, wie der Kritiker Harold Rosenberg 1974 schrieb, "stubenreine Kätzchen". Verfolgt vom Holocaust in der Vergangenheit und der Angst vor der Bombe in der Gegenwart, versuchten diese Künstler, die Betrachter aus ihrer Selbstgefälligkeit aufzurütteln. Nur einer der drei Gründer ist heute noch am Leben. Boris Lurie stellte in Co-op-Galerien in der East Tenth-Street aus, erzählte er mir, als die Künstler Sam Goodman und Stanley Fisher auf ihn zukamen, weil ihnen seine Arbeiten gefielen. Das Trio (allesamt jüdisch) begann, gemeinsam mit anderen Künstlern auszustellen und nahm seinen Namen von einer Karikatur ihrer Arbeit, die in ARTnews erschien.
Viele Bewegungen des 20. Jahrhunderts brachen mit den Konventionen, aber die NO!-Künstler gingen weiter als die meisten. Anders als der abstrakte Expressionismus (den sie bewunderten) und die Pop Art (die sie nicht bewunderten), war ihre Arbeit nicht leicht zu assimilieren. Die meisten der 55 Werke, die im Block Museum zu sehen sind, wären selbst heute in einer Unternehmenslobby oder einem Einkaufszentrum unvorstellbar, Orte, an denen viele Stile des 20. Jahrhunderts heute durchaus zu Hause sind. 1970 stellte Lurie mit einer gewissen Bitterkeit fest, dass "unsere Aktionen, wenn sie überhaupt wahrgenommen wurden, mit tödlichem Schweigen belohnt wurden", während "marktorientierte Pop-Art und dekorative, harte Abstraktion" zu "einem passenden Hintergrund für Cocktailpartys in der Park Avenue" wurden - etwas, das mit Luries Montagen von Girlie-Fotos und Bildern von ausgemergelten Holocaust-Überlebenden oder Leichen wahrscheinlich nie passieren wird. (NO!art: Pin-ups, Excrement, Protest, Jew-Art, das in der Galerie zu besichtigen ist, enthält eine Reihe solcher Aussagen der Künstler).
Die Geschichte der Anti-Kunst-Bewegungen ist eine Geschichte von Künstlern, die die Ästhetik ablehnen, nur um sie dann wieder aufleben zu lassen, wie in John Cages eindringlich schöner Musik und Marcel Duchamps großem letzten Werk. Im Gegensatz dazu ist ein Großteil der NO!art zwar visuell kraftvoll und ausdrucksstark, aber ihre Bilder sind oft abstoßend. Goodmans Shopping Bag (1962) besteht aus einem metallenen Einkaufswagen voller Zigaretten-, Milch-, Seifen- und Bierverpackungen - die alle, einschließlich des Wagens, plattgedrückt und wie ein Gemälde an die Wand gehängt wurden. Man denkt an einen Einkaufsbummel, der in einem Desaster endete, aber Goodman könnte sich auch auf die berühmte Behauptung des Kritikers Clement Greenberg beziehen, dass es in den Gemälden des abstrakten Expressionismus um die Flachheit ihrer eigenen Oberflächen gehe. Goodman setzt jedoch die Umwandlung von Gegenständen aus dem wirklichen Leben in ein hängendes "Bild" mit einer Katastrophe gleich.
Fishers überladenes Sex ist ein ausuferndes Gemälde mit collagierten Fotos, das von kräftigen Rot- und Brauntönen dominiert wird. (Seine Sprühfarbe und sein chaotischer Look erinnern an Graffiti-Kunst, eine von mehreren Entwicklungen, die NO!art vorweggenommen hat.) Obwohl das wilde Durcheinander von Formen an den abstrakten Expressionismus erinnert, ist der Effekt ein ganz anderer: Anstelle von Pollocks lyrischer Linie bietet Sex ein ersticktes und gesprenkeltes Labyrinth; anstelle von Rothkos transparenten Farben ist es schlammig und abweisend. Im Zentrum steht ein Augenpaar, das dem Werk eine angreifende, konfrontative Qualität verleiht. In der Tat ist ein Großteil dieser Arbeit ein Aufruf zum Handeln - auch wenn die Künstler zugeben, dass sie keine Lösungen haben.
Einige der Anliegen der NO!-Künstler lassen sich besser in ihrem historischen Kontext verstehen. Die vielen sexuellen Anspielungen, von den Akten bis zum Titel, der in bizarren Buchstaben quer über Sex geschrieben ist, sind Versuche, die sexuelle Unterdrückung der Zeit zu unterlaufen. In einer Erklärung von 1961 verglich Fisher die Kunst mit der Liebe: "Beide sind nur insoweit bedeutsam, als die Beteiligung Leidenschaft ist. "(In den späten 60er Jahren war Fisher sexuell sehr aktiv und lebte in einer Gruppe, zu der mehrere Freundinnen gehörten, wie mir Lurie erzählte). Fisher äußerte 1960 auch, dass "die Erde eine einzige Linie zum Schlachthof ist" - und die Bedrohung durch die globale thermonukleare Vernichtung verlieh vielen dieser Arbeiten ihre Dringlichkeit. Ein unbetiteltes Werk von Fisher aus dem Jahr 1964 spiegelt das Leben auf der Straße wohl weitaus besser wider als jedes hygienisierte Pop-Gemälde: Inmitten eines aggressiven Durcheinanders von Genitalien, Brüsten und Farbe ist eine Gasmaske zu sehen, während die Lichter eines Weihnachtsbaums am Rande ironisch auf die Massenkultur verweisen.
Eine Reihe von Werken kritisiert das Zelebrieren von Objekten in unserer Konsumkultur. In einem unbetitelten Werk aus dem Jahr 1964 übermalte Wolf Vostell die Vorder- und Rückseite eines Life-Magazins, so dass nur noch der Kopf eines Soldaten von der Titelseite und eine Hand, die einen Softdrink-Behälter hält, von der rückseitigen Anzeige zu sehen waren, wobei er den Verkauf von Zeitschriften durch die Ausnutzung des Fotos eines verwundeten Soldaten mit dem Verkauf von Softdrinks gleichsetzte. In Lady Woolworth (1963) konstruiert Lil Picard eine Frau teilweise aus Lippenstifthülsen und nimmt damit die feministische Kunst um einige Jahre vorweg, indem sie die Art und Weise kommentiert, wie Frauen ermutigt werden, sich selbst zu definieren.
Goodman und Lurie arbeiteten an einer Reihe von Werken mit dem Titel Shit Sculpture (vier davon sind hier zu sehen) für die "NO!-Skulpturen-Show" der Gruppe 1964. Goodman nannte diese Arbeit "meine letzte Geste nach 30 Jahren in der Kunstwelt. Das ist es, was ich davon halte" - und diese realistischen Haufen aus bemaltem Gips untergraben die Idee von Kunst als schöner, begehrenswerter Ware. Ich habe es nicht gerade genossen, sie anzuschauen - wie vieles in der NO!art sind sie teilweise dazu gedacht, Abscheu zu erregen. Aber gerade ihre Härte, ihr Gefühl des Bruchs, veranlasst einen dazu, die eigenen Erwartungen an Kunst neu zu bewerten.
Vieles in der NO!art ist vom Chaos geprägt. Mit seiner Mischung aus Zeitungsartikeln und weiblichen Akten ist Luries dichtes Collagenbild Lumumba is Dead (1961) so uneinheitlich, dass der Betrachter gezwungen ist, jedes Fragment einzeln zu betrachten.
Das Werk enthält auch große und kleine Hakenkreuze, und viele von Luries (und Goodmans) Werken verweisen sogar noch deutlicher auf die Shoah. Immigrant's NO-Box (1963) ist ein rauer Holzcontainer, der an einen Schiffsrumpf erinnert; auf der Seite und der Oberseite ist das Bild eines ausgemergelten Lagerüberlebenden zu sehen, und auf der Oberseite sind kleine, aufreizende Fotos von Frauen zu sehen, die gegeneinander kämpfen. Zwei von Luries Arbeiten bestehen aus nachgestellten gefundenen Fotos: eine weitere Reproduktion des ausgemergelten Mannes auf der Holzkiste nennt er From a Happening. 1945 von Adolf Hitler (1963) und ein Bild eines Leichenhaufens in einem Zug Flatcar Assemblage, 1945 von Adolf Hitler (1963).
Lurie, der zu Beginn des Zweiten Weltkriegs in Lettland lebte, wurde in die Konzentrationslager der Nazis geschickt, unter anderem nach Buchenwald. Er und sein Vater waren die einzigen Überlebenden der Familie. Zu der Zeit, als er begann, solche Bilder zu verwenden, sagt er, "gab es in der sogenannten legitimen Kunstwelt ein stillschweigendes Verbot gegen alles, was mit dem Holocaust zu tun hatte".
Noch beunruhigender sind zwei Fotocollagen, in denen Lurie Bilder von Opfern mit Pinup-Girls kombiniert: Buchenwald (um 1963) und Railroad Collage (1963). 1963 hatte Lurie schon seit einigen Jahren Pinups verwendet, die er zunächst zu seinem Vergnügen gesammelt hatte: "Die sexuellen Sitten waren sehr stark, und es war sehr schwer für einen jungen Mann, besonders wenn er kein Geld hatte, Mädchen zu bekommen", sagt er. Gleichzeitig wurden erotische Bilder von Verdienern ständig für die Werbung von Produkten verwendet. Diese Arbeiten vereinen sehr unterschiedliche Bedeutungen - sie sind sowohl erotisch als auch kommerziell -, aber die Hinzufügung von Holocaust-Bildern verkompliziert die Dinge noch mehr.
Railroad Collage zeigt einen Leichenstapel mit einem ausgeschnittenen Akt, der von hinten gesehen sein Höschen fallen lässt. Es gibt eine Art Push-Pull-Effekt: Das helle, lebende Fleisch lockt, die Leichen stoßen ab, und die Kombination verletzt unseren Sinn für Anstand und Respekt vor den Toten. Auch dieses Werk nimmt die Arbeit von Künstlern vorweg, die sich für die Arbeit von Künstlern interessieren, die sich für den Holocaust interessieren - Claude Lanzmanns Dokumentarfilm Shoah zum Beispiel und die exquisiten, poetischen Monuments von Christian Boltanski, aber im Gegensatz zu diesen raffinierten, sakralen Behandlungen schreien Luries Werke nach Aufmerksamkeit, mit dem Ziel, den Betrachter auf die schrecklichen Widersprüche des Lebens aufmerksam zu machen.
Schockierend genug, dass sie sich letztlich einem ästhetischen Urteil entziehen, erreichen Railroad Collage und Buchenwald etwas, was Avantgarde-Künstler lange angestrebt, aber nur selten erreicht haben. Sie scheinen eine Leere um die Bedeutung zu spinnen, zum Teil deshalb, weil ihre offensichtliche Interpretation - dass Hitler eine Art Künstler war, dessen Opfer wie Pinup-Girls aussahen - so weit von der gegenwärtigen Heiligsprechung der Shoah entfernt ist.
Dennoch hat Lurie gesagt: "Eichmann ist auch in dir", was bedeutet, dass er den Mörder in sich selbst erkennen muss. Seine Arbeit impliziert, dass alle Kategorien, die wir bilden, wie z. B. Kunstgenres - alle Bilder und Objekte, die wir zu unserem Vergnügen sammeln - mit Hitlers "Leichensammeln" vergleichbar sind. Dies ist eine weitaus beunruhigendere Sichtweise als die heute übliche Vorstellung von der Shoah als etwas Besonderem, eine Sichtweise, die sich auf moralische Überlegenheit beruft und jede neue Möglichkeit der Veränderung leugnet. Lurie fordert stattdessen, dass wir uns den Dämonen in uns selbst und in unserer Kultur stellen.
Über den Autor: Fred CamperI ist Künstler, Schriftsteller und Dozent für Film, Kunst und Fotografie und lebt in Chicago. Er hat fast sein ganzes Leben lang über das Kino geschrieben, hat an mehreren Hochschulen und Universitäten gelehrt, ist seit 1989 Kunstkritiker und Kunstjournalist und arbeitet an einem Kunstprojekt. ►mehr
