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NO! — DIE KUNST VON BORIS LURIE
Kurator: John Wronoski, BLAF manager
CHELSEA ART MUSEUM | 556 West 22nd Street | New York, NY 10011 | 26. März bis 15. Mai 2011
Erklärung +++ Video-Report von JAMES KALM
 

Boris Lurie at Chelsea 2011 | posterDie erste Ausstellung in New York mit Kunst aus dem Nachlass von Boris Lurie findet im Chelsea Art Museum vom 26. März 2011 bis zum 15. Mai 2011 statt. Die Schau wird eine Reihe von Ausstellungen eröffnen, die der NO!art-Bewegung und ihren Mitgliedern und Anhängern sowie anderen lange vernachlässigten oder unterdrückten humanistischen Strömungen in der Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Das Feuer und die Wut von Lurie und seinen Mitstreitern fließt auch fünfzig und mehr Jahre nach ihrer Entstehung noch in den Adern ihrer Kunst; sie ist so frisch, kraftvoll und bemerkenswert schön, wie sie es in dem kulturellen Beinahe-Vakuum war, in dem sie entstanden ist. Lurie ist eine der legendären Figuren der East-Village-Avantgarde der 50er und 60er Jahre, ein Widerstandskämpfer gegen die institutionelle Struktur der Kunst seiner Zeit und gegen das, was er den "Investment-Kunstmarkt" nannte, und eine der mächtigen Stimmen für Menschlichkeit in einer Kunstwelt, der es offiziell an politischem oder sozialem Bewusstsein mangelte.

Die Avantgarde hat historisch die Rolle des Gewissens der Kunst gespielt und wurde dementsprechend wenig beachtet. Kunst ist ja eine Produktionsweise, eine Industrie, ein Markt, eine Tatsache, die erst allmählich entstanden ist und erst in jüngster Zeit transparent und allumfassend wurde. Die Kunst selbst war lange Zeit "das Reich der Freiheit", die Stimme dessen, was alle Menschen schätzten oder zu schätzen vorgaben, was uns aber eine erstarrte gesellschaftliche Realität verwehrte. Die Avantgarde entstand, als die Tatsache unausweichlich wurde, dass die Kunst und ihr Versprechen einer besseren Welt nur der Lockvogel oder bestenfalls der Dummkopf der realen Ordnung war, der Zirkus, wenn nicht das Brot.

Aber die reale Ordnung ist einfallsreich und hat gelernt, auch das, was sich ihr widersetzt oder sie sogar verabscheut, für ihre Zwecke zu nutzen. Wenn eine Avantgarde hinreichend im Widerspruch zur Realität steht, wird sie einfach ignoriert; sie bleibt eine Stimme in der Wildnis, zumindest so lange, bis die Wildnis entwickelt werden kann. Wie bei Dada oder Fluxus oder, in jüngerer Zeit, der Performance-Kunst, kann das Jahrzehnte dauern. Erst jetzt beginnt die Kunstgeschichte, die vielen Strömungen ernsthafter, kritischer und humaner Kunst zu bewerten, die im Schatten der sanktionierten Bewegungen der fünfziger, sechziger und siebziger Jahre lebten, jetzt also, da das, was Arthur Danto und andere als das Ende der Kunst beschrieben haben, den Begriff der Avantgarde selbst sinnlos gemacht hat. Avantgarde impliziert ein Konzept des Fortschritts oder zumindest der Richtung, und der Kunst unserer Zeit ist beides fremd, im Guten wie im Schlechten.

Als Überlebender eines Vernichtungslagers waren Luries künstlerische Anliegen verständlicherweise ganz anders als die der Künstler, unter denen er sich bei seiner Ankunft in Amerika nach dem Krieg wiederfand. Wie Sarah Schmerler in ihrem Katalog-Essay für Luries Galerieausstellung Bleed, 1969, bemerkte: "Die meisten amerikanischen Künstler der vierziger Jahre waren frisch von der Kunstschule. Lurie kam frisch aus Buchenwald." Es gibt zutiefst menschliche und inhärent europäische Aspekte in seinem Werk, ganz zu schweigen von den aggressiven politischen Dimensionen, die ihn unter seinen Künstlerkollegen im New York der vierziger bis siebziger Jahre (und darüber hinaus) eher zu einem Fremdkörper werden ließen. Sein Animus gegen den Abstrakten Expressionismus, die Pop Art und Neo-Dada, alles Bewegungen, mit denen Aspekte seiner eigenen Arbeit bestimmte visuelle und taktische Qualitäten teilen, ist im Wesentlichen ein Widerstand gegen den weit verbreiteten (und typisch amerikanischen) Wunsch, den Krieg hinter sich zu lassen und seine Verwüstungen inmitten des Wohlstands und Optimismus zu vergessen, den der Sieg und der daraus resultierende wirtschaftliche Aufstieg hervorgebracht hatten. Lurie steckte keineswegs in der Vergangenheit fest, aber da er sie erlebt hatte, weigerte er sich, so zu tun, als sei sie nie geschehen oder als seien andere Schrecken nicht allgegenwärtig oder immer bedrohlich.

In den Fünfziger-, Sechziger- und Siebzigerjahren schockierten und verwirrten viele von Luries Arbeiten, wie die berüchtigte Railroad Collage (1963), nicht nur, sondern stießen viele Betrachter sogar ab. Einige seiner Gegenüberstellungen von expliziten Bildern der Sexualität und anderen des brutalen Todes und der Entmenschlichung entziehen sich auch heute noch einer rationalen Auseinandersetzung: Es sind visuelle Aporien, die sich einer Analyse entziehen. Seine Collage-Serien Dismembered Women und Pin-Up, um nur einige zu nennen, behaupten gleichzeitig, dass die Objektivierung von Frauen Gewalt gegen Frauen ist und dass die weibliche Sexualität eine fundamentale und unauslöschliche Kraft ist - Ideen, die sich bestenfalls schwer in einem einzigen Werk unterbringen lassen.

Theodor Adorno bemerkte berühmt: "Nach Auschwitz Gedichte zu schreiben, ist barbarisch." Lurie steht in einer Reihe mit großen Künstlern wie Tadeusz Borowski, Primo Levi und Paul Celan, die in der Kunst auf die größte Unmenschlichkeit, die je begangen wurde, reagiert und gezeigt haben, was Poesie nach Auschwitz sein kann und warum sie sein muss. Im Kampf um die Seele und Menschlichkeit der Kunst war Lurie ein Held des Widerstands, des Widerstands gegen Kompromisse, Gleichgültigkeit, Perversion und Kooptation oder Manipulation durch den Markt.

Source: http://www.art-agenda.com/shows/no-the-art-of-boris-lurie-at-chelsea-art-museum/

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BORIS LURIE NO! at the CHELSEA MUSEUM
Video Review By JAMES KALM
YouTube on April 2, 2011 | 12:27 mins
http://www.youtube.com/watch?v=n9BSH5RV8LM&amp

PLOT : Behind one branch of the authentic avant-garde lays a field of unrelenting tragedy and pathos. One unredeemable example of this is Boris Lurie. Born in Leningrad in1924 at the age of sixteen he was taken prisoner by the Nazis and imprisoned for a period of four years at Buchenwald and other concentration camps. Loosing his mother, sister, and sweetheart, all before they even arrived at the camps, was a life altering happenstance. In the late fifties he, Stan Fisher and Sam Goodman formed the "NO!art" group as an aesthetic protest against what they saw as the "investment art market", perhaps a nescient version of "institutional critique" . As the ultimate proof of membership in the avant-garde, he died with his artistic legacy in near obscurity. This show seeks to bring his work to a greater audience. Includes an interview with curator John Wronoski.

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COMMENTS

Great! Great! Great! You are so right about the mood of this work being early Village. In those days I didn't see work like this--that's not it. But this was the mood of the Beatnik days. Art about something that has a cringe-ing grip on one's soul has so much more power than art about art. Composition, surface, concept--this kind of work is far beyond those artspeak limitations. I am so happy I saw this. My goodness, James--"softporn harlot" ! You are so funny.   jpapare

@jpapare Stream of consciousness narration is a hazardous practice especially for someone with linguistic deficit depravation. Makes me wish for a script sometimes...or, maybe not.  jameskalmroughcut

Great artist. Thanks James.   claureic

I've always found the camera pauses very telling. I too liked the suitcase and the burden of hope we all bear. Yes we did it, so what? is how I've heard the holocaust described by a foreign exchange student. "Liked" is somehow not the right word.  spawndonitis

Great stuff! Again...thanks for sharing. :-)   JNieckarz

this is freankN fabulous - thanx James   cosmicku

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About Videographer James Kalm (born 1951) is an art critic perhaps best known for The James Kalm Report, an online video series which covers events in the New York Art scene. The Kalm Report is shot from a first person perspective using a hand held camera. Typically Kalm arrives at an art show by bike -he calls himself "the guy on the bike"- and then walks through the show while providing commentary. - Kalm also writes a monthly column for The Brooklyn Rail called Brooklyn Dispatches. Kalm focuses on the Brooklyn art scene and particularly Williamsburg, of which he is one of the original champions. - James Kalm is the pseudonym of artist Loren Munk. | more https://en.wikipedia.org/wiki/Loren_Munk

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