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INVENTING DOWNTOWN:
Künstlergeführte Galerien in New York City, 1952-1965
Kuratorin: Melissa Rachleff
GREY ART GALLERY | 100 Washington Square East | New York NYC 10003 | 10. Januar bis 1. April 2017
Poster + Info + Gallerien & Künstler + Leihgeber + Rezension + Dokumentation + Grey Art Mission
 

poster grey art gallery signet
INVENTING DOWNTOWN | POSTER
John Cohen, Red Grooms transporting artwork to Reuben Gallery, New York, 1960
Courtesy the photographer and L. Parker Stephenson, New York. © John Cohen

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INFORMATION

Zwischen dem Höhepunkt des Abstrakten Expressionismus und dem Aufkommen von Pop Art und Minimalismus wurde die New Yorker Kunstszene durch von Künstlern geführte Galerien verändert. Inventing Downtown präsentiert Werke aus vierzehn dieser Schmelztiegel des Experimentierens und beleuchtet die Bemühungen der Künstler, neue Ausstellungsorte für innovative Kunstwerke zu schaffen - von abstrakter und figurativer Malerei, Assemblage, Skulptur und Arbeiten auf Papier bis hin zu bahnbrechenden Installationen und Performances.

Inventing Downtown schlägt vor, diese vierzehn Galerien über fünf thematische Gruppierungen zu betrachten. Leaving Midtown konzentriert sich auf drei Galerien in der Tenth Street, die eine genossenschaftliche Geschäftsstruktur annahmen, bei der die Kosten unter den gewählten Mitgliedern geteilt wurden: Tanager Gallery, Hansa Gallery und Brata Gallery. City as Muse stellt vier Unternehmungen vor, die nicht das Genossenschaftsmodell übernommen haben: City Gallery, Reuben Gallery, Delancey Street Museum, und Judson Gallery. Sie sind vor allem für ihre dynamischen Installationen und bahnbrechenden Performances bekannt. Space and Time untersucht zwei bedeutende von Künstlern betriebene Projekte, 112 Chambers Street und 79 Park Place, die unterschiedliche konzeptionelle Terrains besetzten, eine breite Palette von Medien einschlossen und ein gemeinsames Interesse an der Erforschung von Zeitlichkeit und geo-räumlichen Dimensionen hatten. Politik als Praxis umfasst vier Gruppen: March Group, Judson Church's Hall of Issues, The Center und Spiral Group, die die Machbarkeit von Politik als Thema für die Kunst untersuchten und einen neuen Sinn für soziale Dringlichkeit kanalisierten, indem sie sich unter anderem mit der Politik des Kalten Krieges, der Bürgerrechtsbewegung und dem Erbe des Zweiten Weltkriegs auseinandersetzten. Schließlich befasst sich Defining Downtown mit der Green Gallery, die eine entscheidende Rolle dabei spielte, Downtown nach oben zu bringen und den Aufstieg von Pop und Minimalismus zu fördern. Ihr Programm führte jedoch zu einer Verengung der ästhetischen Möglichkeiten und zur Marginalisierung vieler Künstler.

Künstlergeführte Galerien prägten die amerikanische Kunst unwiderruflich. Nach 1965 trennten sich die New Yorker Kunstszenen in Uptown und Downtown immer mehr, was zur Blüte der gemeinnützigen alternativen Räume in Downtown führte. Obwohl mehr als ein halbes Jahrhundert seit der Ära von Inventing Downtown vergangen ist, klingen viele der in der Ausstellung behandelten Themen in der heutigen Kunstwelt immer noch nach - gespalten zwischen dem boomenden kommerziellen Markt für zeitgenössische Kunst und immer pluralistischeren Modellen der künstlerischen Produktion, Förderung und Ausstellung.

Inventing Downtown wird kuratiert von Melissa Rachleff, Clinical Associate Professor an der Steinhardt School der NYU.

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Galerien und Künstler in der Ausstellung

Tanager Gallery (1952-1962), 51 East Fourth Street (Mai 1952-März 1953), 90 East Tenth Street (April 1953-Juni 1962) | Künstler: Louise Bourgeois, Charles Cajori, Lois Dodd, Perle Fine, Jean Follett, Mary Frank, Sidney Geist, Gloria Graves, Sally Hazelet Drummond, Angelo Ippolito, Al Jensen, Alex Katz, William "Bill" King, Fred Mitchell, Louise Nevelson, George Ortman, Philip Pearlstein

Hansa Gallery (1952-1959), 70 East Twelfth Street (November 1952-November 1954), 210 Central Park South (Dezember 1954-Juni 1959) | Künstler: Robert Beauchamp, Jacques Beckwith, Lily Brody, John Chamberlain, Jean Follett, Miles Forst, Wolf Kahn, Allan Kaprow, Fay Lansner, Alfred Leslie, Dody Müller, Jan Müller, Felix Pasilis, Vaughan Rachel, Lucas Samaras, George Segal, Richard Stankiewicz, Myron Stout, Robert Whitman, Jane Wilson

Brata Gallery, 89 East Tenth Street (Oktober 1957-April 1962) | Künstler: Ronald Bladen, Ed Clark, Al Held, Robert Kobayashi, Nicholas Krushenick, Yayoi Kusama, Nanae Momiyama, Sal Romano, George Sugarman

City Gallery, 735 Sixth Avenue (November 1958-Mai 1959) | Künstler: Robert Beauchamp, Gandy Brodie, Sari Dienes, Jackie Ferrara, Red Grooms, Mimi Gross, Joan Herbst, Budd Hopkins, Lester Johnson, Emily Mason, Jay Milder, Claes Oldenburg, Peter Passuntino, George Nelson Preston, Bob Thompson, Michaela Weisselberg (jetzt Mica Nava)

Reuben Gallery (1959-1961), 61 Fourth Avenue (Oktober 1959-Juni 1960), 44 East Third Street (November 1960-April 1961) | Künstler: Yvonne Andersen, Jim Dine, Rosalyn Drexler, John Cohen, Martha Edelheit, Red Grooms, Allan Kaprow, Claes Oldenburg, I. C. Rapoport, Robert Rauschenberg, Renée Rubin, Lucas Samaras, Robert Whitman

Delancey Street Museum, 148 Delancey Street (Oktober 1959-Mai 1960) | Künstler: John Cohen, Emilio Cruz, Lester Johnson, Marcia Marcus, Jay Milder, Bob Thompson

Judson Gallery, 239 Thompson Street (Februar 1959-Januar 1962) | Künstler: Dorothea Baer, Jim Dine, Martha Edelheit, Dan Flavin, Martha Holmes, Claes Oldenburg, Marcus Ratliff, Richard Tyler, Stan VanDerBeek, Tom Wesselmann, Phyllis Yampolsky

112 Chambers Street (Dezember 1960-Juni 1961) | Künstler: Simone Forti, Robert Morris, Minoru Niizuma, Yoko Ono

79 Park Place (November 1963-März 1964) | Künstler: Mark di Suvero, Dean Fleming, Peter Forakis, Danny Lyon, Anthony Magar, Tamara Melcher, Forrest Myers, Edwin Ruda, Leo Valledor

March Group (1960-62) | Künstler: Stanley Fisher, Sam Goodman, Jean-Jacques Lebel, Boris Lurie, Kenneth van Sickle

Hall of Issues in der Judson Memorial Church (Dezember 1961-Januar 1963) | Künstler: Dave Heath, Peter Moore, Steven Schapiro, Peter Schumann, Phyllis Yampolsky

The Center (1962-65) | Künstler: Ben Morea, Aldo Tambellini

Spiral Group (1963-65) | KünstlerInnen: Emma Amos, Romare Bearden, Reginald Gammon, Norman Lewis, William Majors, Hale Woodruff, James Yeargans

Green Gallery, 15 West Fifty-seventh Street (Oktober 1960-Juni 1965) | Künstler: Richard Bellamy, Ronald Bladen, Rudy Burckhardt, Geoffrey Clements, Mark di Suvero, Dan Flavin, Sally Hazelet Drummond, Joan Jacobs, Donald Judd, Tadaaki Kuwayama, Lee Lozano, Robert McElroy, Robert Morris, Claes Oldenburg, Pat Passlof, Larry Poons, James Rosenquist, Lucas Samaras, George Segal, Richard Smith, Tom Wesselmann

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LEIHGEBER + UNTERSTÜTZER

Inventing Downtown: Artist-Run Galleries in New York City, 1952-1965 wird organisiert von der Grey Art Gallery, New York University, und kuratiert von Melissa Rachleff. Die Präsentation wird unter anderem ermöglicht durch die großzügige Unterstützung der Terra Foundation for American Art, der Henry Luce Foundation, der Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, der S. & J. Lurje Memorial Foundation, der National Endowment for the Arts, der Boris Lurie Art Foundation, der Helen Frankenthaler Foundation, der Art Dealers Association Foundation, Ann Hatch, der Oded Halahmy Foundation for the Arts, Arne und Milly Glimcher, The Cowles Charitable Trust und der Japan Foundation. Die Publikation wird unterstützt durch einen Zuschuss von Furthermore: a program of the J.M. Kaplan Fund. Weitere Unterstützung kommt vom Director's Circle, Inter/National Council und Friends der Grey Art Gallery sowie dem Abby Weed Grey Trust.

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REVIEW
HOLLAND COTTERJAN: Als Künstler Galerien machten
'Inventing Downtown' an der N.Y.U.
New York Times on January 13, 2017, Seite C17

Aldo Tambellini: Primitives 1961
Aldo Tambellini’s “We Are the Primitives of a New Era” (1961). Credit Aldo Tambellini Archive, Salem, Mass.

Als kürzlich im Internet ein Aufruf zu einem Proteststreik der Kunstwelt - "keine Arbeit, keine Schule, kein Geschäft" - am Tag der Amtseinführung veröffentlicht wurde, schlossen sich schnell mehr als 200 Künstler an, die meisten davon in New York ansässig, viele davon sehr bekannt. Zahlenmäßig stellen sie nur einen Bruchteil der gegenwärtigen Kunstwelt dar, und es war zu erwarten, dass die Liste wachsen würde. Im Gegensatz dazu waren 200 Künstler im New York der 1950er Jahre so ziemlich die ganze Welt, und zwar eine, die sich in mehrere kaum tangentiale Kreise aufteilte.

Die kulturelle Geometrie dieser Ära muss dringend untersucht werden, und jetzt wird sie in einer liebevoll gestalteten Ausstellung namens "Inventing Downtown" vorgestellt: Artist-Run Galleries in New York City, 1952-1965", in der Grey Art Gallery der New York University. Mit fast 230 Objekten ist sie groß und hat ihren Anteil an Stars. Aber es ist keine Meisterwerk-Ausstellung. Es ist etwas fast Besseres: ein Blick auf typische - und nicht auf herausragende - Kunst, auf vertraute Künstler, die fremd aussehen, und auf Fremde, die man gerne kennenlernt. Es sieht so aus, wie die Geschichte aussieht, bevor die verschiedenen MoMAs ihre hygienisierenden Hände darauf legen: flippig, vielfältig, bodenständig, mit Dingen, die wir jetzt lernen können.

Mimi Gross: Street 1958
“Street Scene” (1958), by Mimi Gross. Credit Mimi Gross

1952 war der Abstrakte Expressionismus das große amerikanische Ding, die Kunst, die den Kulturkrieg mit Europa gewann. Die Amerikaner mögen Muskeln, Ego und Größe - all das hatte Ab Ex. Der Markt mag Marken und schafft sie, wo er kann, und das tat er im Fall von Ab Ex, was viele Leute, einschließlich der Händler in Uptown Manhattan, die es verkauften, ziemlich glücklich machte.

Nicht alle waren begeistert. Nicht alle Künstler waren es. Einige juckte es, als Teil des Trends Erfolg zu haben, aber sie wussten nicht so recht, wie. Andere waren der Abstraktion überdrüssig; sie wollten Menschen und Natur malen, Geschichten erzählen oder verrückte neue Formen ausprobieren, die Kunst und Theater verschmolzen. Für wieder andere war die Politik und der künstlerische Ausdruck dieser Politik das Hauptanliegen. Der einzige garantierte Weg, wie diese Künstler ihre Ziele erreichen konnten, war die Eröffnung eigener Galerien, und das taten sie auch.

Show view
A view of the show, with an untitled sculpture in the foreground by Mark di Suvero.
Credit Agaton Strom for The New York Times

Die frühesten dieser von Künstlern geführten Galerien der 1950er Jahre befanden sich in der Innenstadt, an oder um die 10th Street, östlich der Fourth Avenue, wo die Mieten günstig waren. Die von Melissa Rachleff, einer klinischen Professorin an der Steinhardt School of Art der New York University, organisierte Grey-Schau zeigt 14 solcher Räume, von denen einige jahrelang existierten, andere nur ein paar Monate lang.

Die stabilsten waren die so genannten kooperativen Galerien oder Co-ops, die von Gruppen von Künstlern gegründet wurden, die monatliche Beiträge zahlten, um die Miete zu decken, sich an der Verwaltung des Ortes beteiligten und gemeinsam über die Mitgliedschaft entschieden: wen sie reinbringen und wen sie rauswerfen wollten. Als Gegenleistung für ihr Engagement konnten sie ihre Kunst nach einem rotierenden Zeitplan ausstellen.

 


The artist Red Grooms taking work to the Reuben Gallery in 1960.
Credit John Cohen/L. Parker Stephenson Photographs, New York

Die früheste der drei in der Ausstellung gezeigten Kooperativen, die Tanager Gallery, war auch die langlebigste, sie überlebte von 1952 bis 1962. Und sie war diejenige mit der marktfreundlichsten Ästhetik, die für jeden Geschmack etwas zu bieten hatte. Die Beispiele für die Arbeiten der Mitglieder reichen vom Realismus (ein Doppelporträt von Alex Katz von seiner Frau Ada aus dem Jahr 1959) über die Halbabstraktion (Lois Dodds wunderbares Bild von drei karamellfarbenen Kühen aus dem Jahr 1958) bis hin zur voll gestischen Malerei von Charles Cajori, Fred Mitchell und Perle Fine.

Wie in der gesamten Ausstellung gibt es auch hier denkwürdige Entdeckungen. Eine davon ist eine Skulptur: eine prächtige Holzschnitzerei von Mary Frank, die die Form einer Tänzerin suggeriert, was Frau Frank auch war. Die andere Entdeckung ist Jean Follett, deren geisterhafte Assemblage "3 Black Bottles" eine Welt für sich ist. Die gestischen Maler von Tanager hätten gut in die Galerien der gehobenen Stadt gepasst, und sie strebten danach. Aber in den 1950er Jahren war Frau Follett, die nach frühem Erfolg New York verließ, noch auf der Suche nach einem aufnahmefähigen Ort, um zu landen.

Lewis 165
An untitled painting from 1965, by Norman Lewis.
Credit Norman Lewis, Seth Taffae Fine Art, New York

Eine solche fand sie 1952 in der Hansa-Galerie. Sie war nach Hans Hofmann benannt, einem verehrten Lehrer, der, obwohl selbst ein abstrakter Maler, seine Schüler ermutigte, in anderen Stilen und Medien zu experimentieren. Das tat auch der junge Direktor der Galerie, Richard Bellamy, der sich später für Pop und Minimalismus einsetzen sollte. Ihr gewagter Geschmack mag die Vielfalt der Arbeiten in diesem Teil der Ausstellung erklären, von Jane Wilsons lebhaftem Porträtbild einer Künstlerkollegin, Jane Freilicher, bis zu einer Fotografie einer frühen Umgebung von Allan Kaprow, der den Weg für den Konzeptualismus ebnete.

Die dritte Co-Op, die Brata Gallery, brachte etwas rassische und ethnische Vielfalt ins Bild der 10th Street. Ed Clark, frisch aus Paris, war einer der ganz wenigen afro-amerikanischen Künstler, die in New York ausstellten. Und er hält hier das Banner der Abstraktion hoch mit einem Bild, das im Grunde ein riesiger rosa Rausch ist. (Er hat eine Einzelausstellung in der Tilton Gallery an der Upper East Side bis zum 18. Februar). Brata stellte auch die in Japan geborene Nanae Momiyama aus - zwei ihrer winzigen Tuschebilder sind hier zu sehen - und veranstaltete mit dem amerikanischen Solo-Debüt von Yayoi Kusama, deren hypnotische und einhüllende Gemälde für Aufsehen sorgten, eine der erfolgreichsten Downtown-Schauen des Tages.

Show view
Credit Agaton Strom for The New York Times

Das war 1960. Zu diesem Zeitpunkt waren in der Innenstadt bereits andere Arten von Galerien entstanden, Alternativen zu den Alternativen, denen die 10th Street zu konservativ war und die das Co-op-Modell ablehnten. Und diese Räume, krakelig und spärlich dokumentiert, sind die interessantesten von allen.

Die Reuben Gallery agierte ein wenig wie eine Co-op - sie hatte einen festen Zeitplan für Ausstellungen - aber ihr Denken war locker genug, um Kaprows Happenings mit Publikumsbeteiligung und die Straßenumzüge von Red Grooms zu beherbergen. 1958 eröffnete Mr. Grooms in seinem Atelier in der West 24th Street einen eigenen Raum, die City Gallery. Sie dauerte kaum sechs Monate, präsentierte aber eine viel besprochene Gruppenausstellung von Zeichnungen. Frau Rachleff hat mehr als 20 der ursprünglich 45 Werke ausfindig gemacht, darunter ein leuchtendes Pastell von Emily Mason und zwei fantastische Straßenszenen von Mimi Gross (die später Mr. Grooms heiraten sollte). Der begnadete Maler Bob Thompson, der mit 29 Jahren an Drogen starb, stellte hier aus. Ebenso der unterschätzte Robert Beauchamp und der Dichter und Gelehrte der afrikanischen Kunst George Nelson Preston, der bis Montag eine Retrospektive im Kenkeleba House im East Village zeigt.

Yoko Ono
“Yoko Ono and Others at Her Chambers Street Loft” (1961), by Minoru Niizuma.
Credit Minoru Niizuma, Collection of Yoko Ono, New York

Dieses Projekt endete, als Mr. Grooms umziehen musste, und er gründete ein anderes, das Delancey Street Museum, in einer verlassenen Boxhalle an der Lower East Side. Dort realisierte er einige seiner eigenen ehrgeizigsten Theaterstücke und präsentierte auch eine Einzelausstellung der Malerin Marcia Marcus, die heute nicht mehr bekannt ist und im Grey ein ihrer Zeit weit vorausgehendes Selbstporträt zeigt. In ähnlicher Weise ist die Judson Gallery in einem Keller in der Nähe des Washington Square vor allem für Claes Oldenburgs frühe, haarsträubende Performances in Erinnerung geblieben, war aber ebenso wichtig für die Einführung von Malern wie Marcus Ratliff und der außerordentlich interessanten - wo können wir mehr von ihr sehen? - Martha Edelheit.

Und ganz in der Nähe des Finanzdistrikts, in Downtown, tauchten flüchtig Galerien auf, die von Künstlern betrieben wurden. Im Winter 1960 öffnete Yoko Ono ihr Studio-Loft in der Chambers Street 112 für experimentelle Komponisten wie La Monte Young und Choreographen wie Simone Forti. 1963 siedelte sich eine Gruppe von Künstlern aus der Bay Area in einem Mietshaus am 79 Park Place in der Nähe der City Hall an, ganz im Stil einer Kommune. Sie lebten rau, aber die kantigen Gemälde von Tamara Melcher und Leo Valledor sind so ordentlich und sauber wie nur möglich.


“Adieu Amérique” (1959-60), by Boris Lurie.
Credit Boris Lurie, Boris Lurie Art Foundation, New York

Aber schon lange vorher war Downtown nach Uptown gezogen. Hansa hatte fünf Jahre lang am Central Park South gearbeitet, in der Hoffnung, Sammler aus dem nahe gelegenen kommerziellen Kunstbezirk anzuziehen. Im Jahr 1960 eröffnete die Green Gallery in der 57. Straße ein neues Geschäft, das dank seines quixotischen Direktors, Mr. Bellamy, ein Downtown-Ambiente ausstrahlte. Er war ein Downtown-Typ, wie in Judith E. Steins fesselnder Biografie aus dem Jahr 2016 deutlich wird, aber die Green Gallery war fest entschlossen, Geschäfte zu machen. Bei der Positionierung von Pop und Minimalismus als die nächsten Kunst-Erfolgsgeschichten arbeitete sie mit Prioritäten, denen die radikaleren Räume in der Innenstadt widerstanden hatten.

Es waren diese Räume, in denen Downtown eher als Geisteshaltung denn als Ort existierte, die meine Aufmerksamkeit am längsten auf sich zogen. Das lag zum Teil daran, dass einige von ihnen neu für mich waren, aber auch daran, dass ihr Denken auf eine Weise vital erschien, wie es das der Green Gallery nicht war. Die March Gallery in der 10th Street war ein Beispiel dafür. Sie wurde von Boris Lurie, einem Holocaust-Überlebenden, zusammen mit seinem Künstlerkollegen Sam Goodman und dem Dichter Stanley Fisher betrieben und verstand Kunst nicht als Ornament, sondern als ethisches Argument, als Antwort auf Rassismus und Habgier. Ihre wortreichen und raumgreifenden Gemälde schienen darauf ausgerichtet zu sein, die Konsumkultur in den Schatten zu stellen und zu übertrumpfen.

Mary Frank: Recycling Figure
The sculpture “Reclining Figure,” by Mary Frank. Credit Agaton Strom for The New York Times

Ihr populistischer Ansatz inspirierte den Künstler Aldo Tambellini dazu, seinen alternativen Raum, das Center, in den Straßen des East Village anzusiedeln, wo die Menschen an seiner Kunst teilhaben und zu ihr beitragen konnten, ob sie es wollten oder nicht. Dasselbe Crowdsourcing-Ideal veranlasste die Künstlerin Phyllis Yampolsky 1961 dazu, die Hall of Issues einzurichten, einen Raum in der Judson Church, in dem jeder, von Gemeindeaktivisten bis hin zu Kindern aus der Nachbarschaft, Kommentare zu Angelegenheiten, die sie betrafen, am Schwarzen Brett veröffentlichen konnte. Der Raum, der zwei Jahre lang existierte, war ein Prototyp für die "Subway Therapy"-Installation mit Tausenden von handgeschriebenen Haftnotizen, die nach der Präsidentschaftswahl 2016 eine Wand der Union Square Station bedeckten.

Und dann ist da noch die Spiral Group, die kurz vor dem Marsch auf Washington 1963 entstand, als sich mehrere afroamerikanische Künstler - darunter Emma Amos, Romare Bearden und Norman Lewis sowie Hale Woodruff, der an der New York University lehrte - in Greenwich Village versammelten, um über die Frage zu debattieren, ob und wie sie die Politik der Rasse in ihre Arbeit einbringen sollten. Wurde dadurch die Kunst missbraucht? Hat es die Politik herabgesetzt? War es selbstverherrlichend? Sich selbst isolierend? Hat es etwas Gutes bewirkt?

Diese Fragen sind für alle Künstler relevant, auch für diejenigen, die sich vielleicht dem Kunststreik nächste Woche anschließen wollen. Die Spiral Group kam zu dem Schluss, dass für sie zu viel auf dem Spiel steht, als dass sie als Künstler nicht Stellung beziehen sollten: Tu es und schau, was sich entwickelt. Also änderten sie ihre Kunst und stellten eine politische Show zusammen. Ihr Beispiel hat immer noch Bestand.

Inventing Downtown: Künstlergeführte Galerien in New York City, 1952-1965

Bis 1. April in der Grey Art Gallery, New York University; 212-998-6780, greyartgallery.nyu.edu.

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MISSION: Die Grey Art Gallery ist das Kunstmuseum der New York University und befindet sich im historischen Washington Square Park in New York Citys Greenwich Village. Als Kunstmuseum der Universität hat die Grey Art Gallery die Aufgabe, die Zeugnisse der menschlichen Kultur zu sammeln, zu bewahren, zu studieren, zu dokumentieren, zu interpretieren und auszustellen. Während diese Ziele allen Museen gemeinsam sind, unterscheidet sich das Grey dadurch, dass es den historischen und soziokulturellen Kontext der Kunst betont und Experimente und Interpretationen als integrale Bestandteile der Programmplanung betrachtet. So ist die Galerie nicht nur ein Ort, an dem die Objekte der materiellen Kultur betrachtet werden können, sondern auch ein Museumslabor, in dem ein breiterer Blick auf die Umgebung eines Objekts unser Verständnis für seinen Beitrag zur Zivilisation bereichert. more

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